VIDEO: Die Prinzipien und Techniken des Filmschnitts (2023)

Definitionsfilm bearbeiten

Definieren wir zunächst den Schnitt im Film

Auch wenn die grundlegende Definition des Filmschnitts einfach ist, steckt dennoch eine Menge dahinter. Aber um alles andere zu verstehen, was mit dem Schnitt zu tun hat, etwa die Redakteure selbst und wie sie mit anderen zusammenarbeiten, müssen Sie die grundlegende Kernantwort auf die Frage „Was ist Filmschnitt?“ verstehen.

FILMSCHNITT DEFINITION

Was ist Filmschnitt?

Schnittist die Kunst und das Handwerk, fertige Filme zu schneiden und zusammenzusetzen. Diese Arbeit wird von einem Filmredakteur erledigt, der dabei hilft, die Vision des Regisseurs für den Film zu vervollständigen. Die kreativen Entscheidungen eines Cutters sind normalerweise eine Kombination aus dem, was er für das Beste für den Film hält, und den Wünschen des Regisseurs (und der Produzenten) für das fertige Projekt. Die meisten Aspekte der Filmbearbeitung werden während der Postproduktion durchgeführt und können physische Zelluloidfilmstreifen, digitale Dateien oder beides umfassen.

Was macht ein Filmeditor:

• Schneidet, verbindet und ordnet Rohmaterial (neu) an, um Aufnahmen, Szenen und mehr zu erstellen.
• Trifft Entscheidungen, die das Tempo, die Atmosphäre, die Erzählung, die Musik usw. des Films beeinflussen.
• Arbeitet mit dem Regisseur und den Produzenten zusammen, um einen endgültigen Schnitt zu erstellen.

Bearbeitungsdefinition: Filmgeschichte

Alles rund um den Filmschnitt

Am Anfang des Films gab es keinen Schnitt. Es war eine einzelne Aufnahme, aufgenommen von einer einzelnen statischen Kamera. Die Faszination für ein „bewegtes Bild“ genügte und die Nutzung des Mediums zum Erzählen fiktionaler Geschichten ließ noch einige Jahre auf sich warten. Schon damals bestand der Filmschnitt lediglich darin, von einer Szene zur nächsten zu schneiden.

Heutzutage gibt es viele Bearbeitungstechniken, die sich im Laufe der Jahre weiterentwickelt haben, um neue Formen der Filmsprache zu schaffen. Wie Sie im Video oben gesehen haben, sind diese Techniken einfach umzusetzen, können jedoch tiefgreifende Auswirkungen auf das visuelle Geschichtenerzählen und die Art und Weise haben, wie das Publikum Informationen erhält.

Nachfolgend finden Sie eine Sammlung dieser Techniken, die mit zusammengestellt wurdenDer Storyboard-Ersteller von StudioBinder. Klicken Sie auf das Bild, um die Tafeln herunterzuladen, damit Sie bei der Bearbeitung Ihres nächsten Projekts später darauf zurückgreifen können.

Ultimativer Leitfaden für Bearbeitungstechniken •Storyboard herunterladen

Früher wurde der Filmschnitt erst zu einem geschätzten Prozess, als die Leistungsfähigkeit des Filmschnitts das Geschichtenerzählen unterstützen konnte. Werfen wir einen Blick zurück auf diese Anfänge, um zu sehen, wo und wie der Sinn und Zweck des Schnitts beim Film wirklich aufblühte.

Wie es begann

Die Geschichte des Filmschnitts ist nicht allzu ausgefallen, aber es gab eine frühe Entwicklung, die dazu beigetragen hat, ihn dorthin zu bringen, wo er heute ist. In den frühen Kinotagen der 1890er Jahre bestand der Zweck des Filmschnitts lediglich darin, Einzelbilder zu Szenen zusammenzufügen (damals, als Filme kürzer als 5 oder 10 Minuten waren).

In dieser kurzen Ära nutzten nur sehr wenige Filme die sogenannte „Kontinuitätsbearbeitung“, was bedeutete, dass fortlaufende Szenen nahtlos aneinandergereiht wurden. Auch der berühmte französische Filmemacher Georges Méliès experimentierte in dieser Zeit mit dem Schnitt als visuellem Effekt.

Mit den 1900er Jahren kamen erzählerische Merkmale hinzu, wie zDer große Zugraub, bewies, dass der Schnitt die filmische Illusion von Zeit und Raum erzeugen kann. Mit der Bearbeitungsleistung können Sie den Eindruck erwecken, als sei eine Räubergruppe in einen Zug eingestiegen und auf der Flucht. So können Sie dem Publikum nicht nur „täuschen“, dass es glaubt, was auf dem Bildschirm passiert, sondern auch eine echte Erzählung schaffen.

Bald darauf experimentierten weitere Filmemacher mit den Prinzipien des Filmschnitts und einige wollten damit überzeugende Beweise liefern.Die sowjetische Montagebewegungentstand in den 1910er und 1920er Jahren, als der Filmemacher Lew Kuleschow den Weg für sein berühmtes Werk ebneteDas Kuleschow-Experiment.

Es war beteiligtnebeneinanderstellenAufnahmen eines Mannes mit einer Schüssel Suppe, eines Kindes in einem Sarg und einer verführerischen Frau; es würde sein unveränderliches Gesicht zeigen und auf einen der drei schneiden. Die Idee war, mit der Kraft des Schnitts das Publikum glauben zu lassen, dass der Mann bestimmte Gefühle für jede dieser Szenen hegte.

Der Prozess

Früher war das Bearbeiten von Filmen im wahrsten Sinne des Wortes ein Prozess des Ausschneidens und Einfügens, bei dem das Kleben und Kleben von Hand erforderlich war. Zusammenfügen war die Art und Weise, wie Filmredakteure ihre Schnitte vornahmen, indem sie mit Kopien von Negativen arbeiteten und Arbeitsdrucke erstellten. Später kamen sogenannte „Flachbett“-Maschinen auf, die das Schneiden und Zusammenfügen von Filmstreifen wesentlich einfacher, schneller und präziser machten.

Jahrzehnte später trug die digitale Filmbearbeitungstechnologie dazu bei, den Bearbeitungsprozess einfacher als je zuvor zu machen, sodass es nicht mehr nötig war, den Film überhaupt zu berühren. Nach der Verarbeitung würde der digitalisierte Filmstreifen in eine Datei umgewandelt, die der Cutter (und seine Assistenten) nach Belieben auf ihren Computern digital bearbeiten könnten.

Auf diese Art und Weise, die als nichtlineare digitale Bearbeitung bekannt ist, schneidet heute praktisch jeder seine Filme. Und wenn sie digital fotografieren, müssen sie einen Schritt weniger machen.

Ob mit einer Spleißmaschine oder einem Computer, Redakteure müssen immer noch ihren „Editor’s Cut“ eines Films zusammenstellen. Dabei handelt es sich oft um die Vision des Films, wie sie ausschließlich vom Redakteur gesehen und besprochen wurde, zusammen mit möglichen Notizen usw. des Regisseurs. Später werden Regisseur und Cutter enger zusammenarbeiten, um einen „Director’s Cut“ zu erstellen. Darauf folgt ein „Producer’s Cut“ oder „Final Cut“, der den Input des Produzenten enthält. Es ist dieser „Final Cut“, der theoretisch als endgültiger Film herauskommt.

Die Rolle der Frau

Im Laufe der Jahre wurde die Rolle der Redakteurin sehr häufig an Frauen vergeben. Während es für Frauen immer schwierig war, in die Rolle einer Regisseurin oder Produzentin vorzudringen, war es für Frauen einfacher, Redakteurin zu werden. Dies liegt daran, dass das Editieren zunächst nicht als „kreative“ Position angesehen wurde; Vielmehr wurde es als „technischer“ Job angesehen.

War der Zweck des Filmschnitts nicht einfach nur die Zusammenstellung der vom Filmemacher zusammengestellten Szenen? Infolgedessen gab es schon immer eine beträchtliche Anzahl weiblicher Redakteure. Sie scheinen zwar einschränkend zu sein, haben aber bewiesen, dass die Rolle des Cutters ebenso kreativ und wichtig für die Gesamtkreation eines Films sein kann.

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Arten der Filmbearbeitung

Schnitttechniken im Film

All die Jahre des Bearbeitens und Herumspielens mit dem, was man damit machen kann, haben zu vielen geführtFilmbearbeitungstechnikenwir nutzen es heute. Einige dieser Beispiele für die Filmbearbeitung kommen sehr häufig vor, während andere seltener verwendet werden.

Kontinuitätsbearbeitung

Diese Technik ist eine der frühesten Formen der Bearbeitung und stellt einfach sicher, dass die Dinge von Aufnahme zu Aufnahme gleich bleiben. Wenn eine Person gerade dabei ist, aus einer Tasse zu trinken, und sie sich schon bei der nächsten Aufnahme befindet, sollte sie immer noch daraus trinken oder sie zumindest festhalten.

Sollte es jemals zu einem Fehler in der Kontinuität kommen, spricht man von einem Kontinuitätsfehler. Dies gehören wahrscheinlich zu den größten Fehlern, die den Zuschauern im Laufe eines Films auffallen. Auch wenn es Spaß machen kann, darauf hinzuweisen, kann es das Publikum auch von einem Film abschrecken, wenn es zu auffällig oder störend ist. Daher ist die Wahrung der Kontinuität eines der großen Prinzipien des Filmschnitts.

Querschneiden

ACutaway-Aufnahmeist ein abrupter Übergang von einer Sache zur anderen. Wie der Name vermuten lässt, soll es von einer Sache ablenken, um die Aufmerksamkeit auf eine andere zu lenken. Diese Bearbeitungstechnik kann für praktisch jeden Zweck verwendet werden, von einem Horror-Schrecken bis hin zu einer komödiantischen Pointe. In vielen Fällen wird es verwendet, um einer Szene Ironie zu verleihen oder das Publikum auf irgendeine Weise zu verunsichern.

Sich auflösen

Eine der gebräuchlichsten Bearbeitungstechniken ist die Überblendung, die schon seit extrem langer Zeit im Einsatz ist. Man kann es so beschreiben, dass sich die Bilder einer Szene mit den Bildern der eingehenden Szene überschneiden. Es kann für verschiedene Zwecke verwendet werden, beispielsweise wenn Sie möchten, dass das Publikum darüber nachdenkt, was gerade in einer Szene passiert ist, bevor es in die neue Szene eintritt. Es kann auch verwendet werden, um Parallelen oder Vergleiche zwischen kommenden und gehenden Szenen zu erstellen oder wenn Sie auf den Lauf der Zeit anspielen möchten.

Verblassen

Überblendungen sind den Überblendungen ziemlich ähnlich, dienen jedoch einem ganz anderen Zweck. Mit einer Überblendung, entweder zu Weiß oder (meistens) zu Schwarz, endet eine Szene. Im Gegensatz zu einem herkömmlichen Schnitt beendet ein Fade eine Szene langsam und endgültig. Überblendungen und Überblendungen waren in den Anfängen des Tonfilms sehr verbreitetVor-Code-Ärader 1920er und 1930er Jahre sowie Post-Code-Hollywood. Heutzutage sind sie etwas seltener, werden aber immer noch in allen Genres verwendet.

J & L Schnitt

Ein J- und ein L-Schnitt stammen aus demselben Thread und nutzen Ton und Bilder, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu fesseln. Bei einem J-Schnitt dringt der Ton der nächsten Szene in die aktuelle Szene ein, bevor wir erkennen können, woher der Ton kommt. Ein L-Schnitt ist sozusagen das Gegenteil; Der Ton einer vorangegangenen Szene ist immer noch bei uns, wenn wir in die nächste Szene eintreten. Es wird oft in Gesprächsszenen verwendet, um die Dinge interessant und weniger gestelzt zu halten.

Sprungschnitt

Popularisiert während derFranzösische Neue WelleEin Sprungschnitt liegt dann vor, wenn zwischen den Aufnahmen keine Kontinuität besteht. Sie nennen sie „Jump Cuts“, weil die Aufnahmen während derselben Aufnahme zeitlich vorzuspringen scheinen. Diese Bearbeitungstechnik wurde hauptsächlich entwickelt, um einfach die Zeit eines Films zu verkürzen, indem unnötige Sekunden in einer Szene eliminiert werden. Allerdings erlangte es bald Einfluss auf die französische New-Wave-Szene und darüber hinaus.

Match-Cut

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Eine der bekanntesten und beliebtesten Bearbeitungstechniken ist der Match Cut. Dies ist der Fall, wenn eine neue Szene Elemente aus der vorherigen Szene übernimmt. Wenn Sie also in einer Einstellung eine Donut-Szene haben, könnte die nächste Szene einen Bagel zeigen; gleiche Form, anderes Objekt. Es könnte sich auch um die Skyline einer Stadt am Tag handeln, die bei Nacht sofort auf dieselbe Skyline übergeht.

Montage

Montage ist eine interessante Bearbeitungstechnik, da sie je nach Kontext unterschiedliche Bedeutungen haben kann.

Die andere Montage wird als „Sowjetische Montage“ (oder „Sowjetische Montagetheorie“) bezeichnet und entstand in den 1920er Jahren. Es existiert in erster Linie als Theorie, die viele Aspekte im Zusammenhang mit dem Filmemachen, den Erwartungen des Publikums und der Erfahrung umfasst.

Schuss/Rückwärtsschuss

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ALS NÄCHSTES

Tonbearbeitung vs. Tonmischung

Nachdem wir uns nun mit „Was ist Filmschnitt“, den Aufgaben eines Filmeditors und den Begriffen des Filmschnitts befasst haben, werfen wir einen Blick auf die Audio-fokussierte Seite der Postproduktion. Wir behandeln die Tonbearbeitung, Tipps und Beispiele sowie die Unterschiede zur Tonmischung.

Als nächstes: Tonbearbeitung und -mischung →